르네상스 음악이 가진 고유의 특징

서양 고전음악의 역사 중 르네상스 시대는 이전의 중세 시대의 뒤를 잇고 다가오는 바로크 시대 사이의 다리 역할을 합니다. 이번 글에서는 르네상스 시대에 대해 보다 깊은 이해를 돕기 위해 이 시대의 역사와 음악적인 특성, 그리고 르네상스 시대에서 중요한 역할을 했던 작곡가에 대해 다루어보도록 하겠습니다.

 

르네상스 시대의 음악

 

르네상스 음악이 주를 이루던 시대는 1400년에서 1600년 사이에 지속되었는데, 음악의 특징이 매우 다양하고 복잡해지면서 거대한 성장과 발전을 경험하게 되었습니다. 이 시대의 작곡가들은 음악을 원하는 대로 작곡할 수 있는 자유를 누렸으며 기술의 발전으로 그들의 음악을 더욱 많은 사람들에게 전파할 수 있었습니다.


사회 변화가 음악에 미친 영향

종교 음악은 르네상스 시대에 이르러서도 만연했지만 점차 교회의 영향력이 약해지면서 작곡가들은 이전에 비해 예술적 자유를 많이 얻게 되었고 보다 창의적인 음악을 여럿 작곡할 수 있게 되었습니다. 그리고 고대 문화에 대한 관심이 증가하면서 작곡가들은 고대 그리스와 로마 시대의 예술과 신화, 천문학과 수학에서 영감을 얻기 시작했습니다.

 

르네상스 이전, 중세 시대에 음악을 표기하는 원시적인 방법이 개발되었을 때, 작곡가는 자신의 작품을 좀 더 쉽게 문서화하고 공유할 수 있었지만 손으로 작성해야 하는 제약으로 여전히 작곡에 많은 시간을 할애해야 했습니다.

 

그러나 1439년 인쇄기의 발명과 보급으로 유럽 전역에 걸쳐 아이디어 교환이 매우 수월해졌습니다.
이에 따라 부르주아 계급(교양 있는 중산층) 사이에서 음악 교육이 번성하고 음악을 읽는 법을 배우는 사람들이 증가함에 따라 중세 시대에 비해 르네상스 시대에 훨씬 더 많은 음악이 남는 결과를 불러왔습니다.

교회 음악과 세속 음악

 

종교적인 의미가 녹아 들어있는 합창은 르네상스 시대 초기에 지배적이었는데, 이 음악의 대부분은 중세 말에 발전한 동시성, 즉, 2개 이상의 독립적인 멜로디 부분이 동시에 존재하는 음악을 기반으로 합니다. 모테트(Motets)와 미사(Mass)는 독립적인 두 가지 음악의 예이며, 여기서 미사의 경우, 교회 음악의 영향을 받은 것으로 볼 수 있습니다.

교회의 신성한 스타일과 세속적인 스타일은 서로 영향을 미치기 시작합니다. 예를 들면, 마드리갈(여러 목소리를 내는 비종교 무반주의 음악)이 교회 형식으로 반영되는 반면, 세속 작곡가는 모테트를 쓰기도 하는 식입니다. 르네상스 시대 초기에는 세속적 작곡가들의 기회는 제한적이었는데, 이들의 대부분 법원을 통해 연주자, 교사, 작곡가로 고용되고는 햐였습니다.

그러나 시간이 지남에 따라 세속 음악의 인기는 점점 높아졌고, 작곡가는 비로소 넉넉한 커미션을 받을 수 있게 되었으며, 새롭게 작곡한 음악은 이들이 재정적으로도 도약하는 계기가 되었습니다.

이 시대의 개신교 종교 개혁은 가톨릭 교회와 개신교 교회 모두의 예배를 위한 음악이 성행함을 의미하기도 합니다.
세속 음악은 주로 성악으로 구성되었지만 이 시기에는 기악 자체의 발전이 컸다고 볼 수 있습니다.
즉, 음악이 춤이나 반주를 위한 음악이라기보다는 진지하게 들어야 하는 곡에 가까워졌음을 의미합니다.
이것은 예술을 위한 예술을 창조한다는 사고를 향한 르네상스 시대에 나타난 변화와 방향을 같이 했다고 봅니다.

조화와 스타일

중세 시대의 모달 고조파 시스템(음계 또는 모드에 기반한)은 르네상스 시대 초기에도 그대로 유지되었는데요.
르네상스 시대로 접어들면서 대위법에 대한 규칙은 어느 음정이 자음으로 간주되고, 또, 어떤 음정이 불협화음인지 그 기준이 더욱 복잡하고 엄격해졌습니다.

3도와 6도의 음정이 사용되기 시작하면서, 오늘날 많은 서양 음악을 뒷받침하는 3화음이 처음으로 사용되었습니다. 대위법을 둘러싼 엄격한 규칙을 제외하면 작곡가는 훨씬 더 자유롭게 표현할 수 있습니다. 많은 사람들이 음악에 감정을 넣어 작곡하기를 시도했는데, 이것은 중세 시대에 비해 더욱 넓은 보컬 범위를 형성하고 리듬이나 형식과 같은 요소를 매우 다양하고 풍부하게 하는 결과로 이어졌습니다.

이런 특징은 교회 음악에 추가되기 시작했고, 모드 접근 방식은 코드 진행, 마이너 및 5도의 원을 기반으로 한 주요 음조 등을 나타내는 데 활용하게 되었습니다. 이것은 바로크 시대에 가서는 관습의 형태로 확고한 위치를 차지하게 됩니다. 4개 이상의 독립적인 부분을 사용하는 작곡가가 등장하면서 음악의 질감은 더 풍부해지기 시작했습니다. 점점 더 많은 사람들이 부분 부분들을 혼합하고 조화로움을 달성하기를 시도하게 되었습니다.

그래서, 대규모 합창단에 어울리는 곡을 작곡한 그레고리오 알레그리와 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나 같은 후기 르네상스 시대의 작품들은 공통적으로 웅장하고 복잡한 특징을 지니고 있습니다.

 

 

표기법과 이론

르네상스 시대는 아직 악보가 일반적으로 사용되지 않았던 시기이기 때문에 르네상스 작품은 개별적, 부분적인 악보가 대부분이었습니다. Barlines는 흔하지 않았고 음표 값도 오늘날 볼 수 있는 것보다 훨씬 길었습니다.
세미브레브와 브레베는 크로셰와 미니밈이 아니라 기본 리듬 단위였기 때문에 이 시기에 작곡된 음악은 현대의 곡과 매우 다르게 보였습니다.

 

르네상스 작곡가

궁정, 특히나 예술을 지지했던 북부 프랑스와 저지대의 작곡가들이 르네상스 시대의 시작을 알렸다고 해도 과언이 아닙니다. 이후, 이탈리아가 두각을 나타내면서 수많은 유명한 작곡가를 배출하기도 했습니다. 또, 그밖에 다른 지역의 예술가들도 이 나라로 이주했으며, 바로크 시대의 첫 번째 혁신이 시작된 곳이 바로 이 곳 이탈리아였습니다.

르네상스 시대의 저명한 작곡가로는 아래 정도로 보입니다.

조스캥 데 프레( Josquin des Prez , 1450/55-1521) – 세속적인 작품과 신성한 작품을 쓴 프랑스인
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594) – 종교 작품의 이탈리아 작곡가이자 로마 학교의 유명한 지수
Thomas Tallis (1505 – 1585) – 합창 작품으로 매우 잘 알려진 영국의 가장 위대한 작곡가
기욤 뒤 페이(Guillaume Du Fay , 1397–1474) – 프랑코-플랑드르 작곡가이자 음악 이론가
Orlande de Lassus (1530-1594) – 다성 음악의 프랑코-플랑드르 작곡가

 

 

르네상스의 악기

르네상스 시대에 사용된 수많은 악기는 현대 악기를 이끄는 선구자 역할을 하였는데, 그 중 일부는 이 시기에 새로운 형태로 발전해나갔습니다. 금관악기에 밸브가 없는 이 시대에는 군대에서 널리 사용되었던 트럼펫과 슬라이드 트럼펫을 대체한 초기 버전의 트롬본인 색버트가 있었습니다.

비올 또는 비올라 다 감바는 현대의 첼로와 비슷하며, 활을 이용하여 연주하는 6현 악기였습니다.
거문고는 현악기 계열의 또 다른 일부였습니다. 이는 현대의 미니어처 하프와 유사하게 손가락으로 튕기는 대신 플랙트럼으로 연주했습니다.


거문고

shawm(나무로 된 이중 갈대 파이프), 가로 플루트 및 리코더는 일반적으로 목관 악기로 연주되는 반면, 인기 있는 건반 악기에는 하프시코드, 클라비코드 및 버진날이 해당됩니다. 악기 제작의 기술이 발전하면서 앙상블은 더 넓은 범위에 접근할 수 있게 되었고, 조직의 다양성이 증가하고 앙상블도 크기가 커졌습니다.

결론은...?

이것으로 르네상스 시대 음악의 특징에 대한 이야기를 마쳐볼까 합니다.
이를 통해 음악에 관한 새로운 기술과 조화로움에 대한 새로운 접근 방식이 바로크 시대의 길을 닦기 전에 중세 시대에서부터 음악이 어떠한 방식으로 복잡하고 다양하게 발전했는지 배울 수 있었습니다.